La Martin 1-26 des années 1870 est une guitare vintage d’exception, symbole du raffinement artisanal de C.F. Martin & Co. à Nazareth, Pennsylvanie.

Héritière directe de la tradition initiée dans les années 1850, elle marque la transition historique entre C.F. Martin Sr. et C.F. Martin Jr., qui prend la direction en 1873.

Produite à seulement 270 exemplaires, la Martin 1-26 est aujourd’hui une guitare de collection rare et recherchée. Conçue pour une clientèle exigeante, elle associe une table en épicéa Adirondack à un dos et des éclisses en palissandre brésilien, des bois précieux réputés pour leur richesse harmonique.

Son barrage léger et son format parlor assurent une projection équilibrée, une réactivité exceptionnelle et une sonorité intimiste, idéale pour le jeu en fingerstyle. Entièrement fabriquée à la main, cette guitare Martin vintage séduit par ses basses profondes, ses médiums ambrés et ses aigus cristallins.

Véritable œuvre d’art sonore, la Martin 1-26 incarne l’union parfaite entre histoire, élégance et musicalité. Elle représente parfaitement la lutherie américaine de la seconde moitié du 19ème siècle, avec un timbre poétique et une chaleur inspirante. 

Vidéo démo : https://youtu.be/jAnvYB1buTc

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Mario Maccaferri (1900-1993), maître de la guitare, est un musicien et luthier italien au parcours fascinant.

Né à Cento, il se passionne pour la guitare en apprentissage auprès du célèbre luthier Luigi Mozzani, qui l'initie à la fabrication d'instruments à cordes tels que les guitares, mandolines, et violons.

Après avoir obtenu des distinctions musicales, Maccaferri ouvre en 1923 son atelier à Cento. Comparé à Andrés Segovia, il se distingue par sa technique d’onglet métallique et son répertoire éclectique (Sor, Tarrega, Bach).

Installé à Paris en 1927, il découvre le jazz, enseigne la guitare et fabrique des instruments, tout en remportant des prix internationaux pour ses violons.

En 1931, Maccaferri présente ses idées aux frères Ben et Lew Davis, figures influentes du commerce musical londonien, et obtient leur soutien pour rencontrer Henri Selmer, fondateur de la maison Selmer à Paris.

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Cette Fender Stratocaster Blonde de 1976 incarne l’essence même des guitares vintage de l’ère CBS, une période charnière des années 1970 marquée par des évolutions techniques et esthétiques qui ont façonné la légende de la Stratocaster.

Cette décennie voit Fender introduire plusieurs innovations majeures : en 1971, le “bullet truss rod” et le manche à trois vis avec système Micro-Tilt remplacent le montage traditionnel à quatre vis, améliorant le réglage du manche. Vers 1974, les micros à plots plats succèdent aux plots “staggered”, affinant la réponse sonore. En 1976, le numéro de série migre de la plaque de manche vers la tête, précédé d’un préfixe “S”, emblème des années 70.

C’est aussi l’époque où la Stratocaster devient l’arme de choix de légendes comme Eric Clapton, dont les mythiques “Brownie” et “Blackie” définissent le son blues-rock, ou Ritchie Blackmore de Deep Purple, qui immortalise son timbre tranchant sur “Machine Head” (1972).

Ces artistes ont sublimé la polyvalence, la puissance et la clarté sonoredes Stratocaster CBS.

Véritable icône des années 70, cette Fender Stratocaster Blonde de 1976 séduit par son design vintage, sa construction fiable et son timbre vibrant, lumineux et expressif, idéal pour les guitaristes en quête d’un son authentique et légendaire ! 

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Pasquale Vinaccia, né le 20 juillet 1806 à Naples et décédé vers 1884, est une figure majeure de la lutherie italienne du XIXe siècle. Issu d’une lignée de luthiers napolitains remontant au XVIIe siècle, il joue un rôle décisif dans la modernisation de la mandoline.

Dès 1835, il introduit des innovations techniques majeures :

• remplacement des cordes en boyau ou laiton par des cordes en acier haute tension ;
• allongement de la touche à 17 frettes ;
• adoption de mécaniques à engrenages pour un accordage plus précis ;
• renforcement de la caisse de résonance pour une meilleure projection sonore.

Ces évolutions jettent les bases de la mandoline napolitaine moderne.

La mandoline fabriquée en 1883, un an avant sa mort, incarne l’aboutissement de ses recherches et son héritage durable dans l’histoire de la lutherie italienne et de la mandoline.

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Salvador Ibanez, né à Valence en 1854, est l’un des grands maîtres de la lutherie espagnole. Formé dès 11 ans dans un atelier valencien, il ouvre à seulement 16 ans son propre atelier, rapidement reconnu pour la qualité et l’innovation de ses guitares. 

Dans les années 1890, son entreprise prospère et, en 1896, il fonde Salvador Ibanez e Hijos avec ses fils Vicente et Salvador Jr., amorçant une production structurée et une renommée internationale. 

Ses instruments, d’une élégance raffinée, se distinguent par des bois précieux, des ornements soignés et des innovations audacieuses comme les guitares à double manche.

Appréciées par les musiciens classiques et flamencos, ses guitares s’exportent jusqu’en Amérique du Sud, au Mexique, aux Philippines et au Japon.

Cette guitare Salvador Ibanez, restaurée avec soin, offre une sonorité riche et équilibrée, aux basses profondes, médiums soyeux et aigus cristallins, mêlant chaleur, puissance et finesse.

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Le Martin Style 1 soprano (1924–1927) s’inscrit dans une période charnière de l’histoire musicale américaine et hawaïenne. Après l’Exposition internationale Panama-Pacifique de 1915, la musique hawaïenne séduit le public continental et fait du ukulélé un véritable phénomène culturel aux États-Unis. Léger, abordable et expressif, l’instrument devient l’emblème d’une époque d’enthousiasme et de modernité sonore.

La maison C.F. Martin & Co., fondée en 1833 en Pennsylvanie et réputée pour ses guitares, saisit cette opportunité dès 1915. Adaptant son savoir-faire artisanal au nouvel instrument, Martin impose rapidement des standards de qualité qui redéfinissent la lutherie du ukulélé. Entre 1917 et 1927, la production explose : plus de 14 000 ukulélés sortent des ateliers en 1926, surpassant même la production de guitares.

Ainsi le Style 1, modèle phare, incarne la sobriété élégante et la pureté acoustique qui feront la renommée de la marque. Il offre une projection chaude et boisée, un équilibre harmonique exceptionnel et une clarté lumineuse dans les aigus. 

Véritable reflet de l’âge d’or du ukulélé Martin, il symbolise la rencontre entre tradition luthière, innovation technique et culture populaire. Aujourd’hui encore, sa sonorité noble et son héritage historiqueen font une pièce de collection et un instrument de légende.

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Le Roland System 100 Model 101, sorti en 1975, est un synthétiseur analogique monophonique mythique, conçu par la firme japonaise Roland comme le cœur du système semi-modulaire System 100, produit jusqu’en 1979. Véritable icône des synthétiseurs des années 70, il offrait une alternative plus abordable aux systèmes modulaires complets, tout en conservant une qualité sonore exceptionnelle.

Pensé comme une solution de studio modulaire complète, le Model 101 pouvait être combiné avec d'autres modèles. Grâce à sa chaleur analogique et à sa précision de modulation, il est rapidement devenu un instrument culte dans les studios de musique électronique.

Le Roland System 100 a été utilisé par des artistes majeurs comme Martyn Ware (The Human League, Heaven 17), Daniel Miller (Depeche Mode, Mute Records), Vangelis, Tangerine Dream, Aphex Twin, Orbital, Front 242 ou Vince Clarke. Sur des albums emblématiques tels que Reproduction ou Travelogue, on retrouve ses lignes de basse puissantes, ses textures modulées riches et ses effets rythmiques précis, qui ont façonné le son de la musique électronique des années 70 et 80.

Ce Roland System 100 Model 101 demeure aujourd’hui un synthétiseur analogique vintage légendaire, recherché pour sa sonorité chaude, sa modulation expressive et sa polyvalence créative. Un véritable classique de la synthèse analogique, idéal pour les musiciens, producteurs et collectionneurs passionnés à la recherche d’un son authentique et intemporel.

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En 1953, l’Amérique vit une révolution sonore : le rock’n’roll émerge, le blues électrique s’impose dans les clubs de Chicago, et les fabricants d’amplificateurs rivalisent d’ingéniosité pour créer des sons toujours plus expressifs. C’est dans ce contexte que Gibson, fleuron de la lutherie américaine fondé à Kalamazoo (Michigan) en 1902, perfectionne son emblématique BR-6 Combo Amp.

Né en 1946, le Gibson BR-6 traverse toute la période d’après-guerre. La version 1953 marque l’un des derniers raffinements de la série : plus stable, mieux ventilée et plus puissante que ses devancières. Véritable symbole de l’âge d’or des amplis à lampes “point-to-point”, il est câblé à la main dans les ateliers historiques de Kalamazoo, reflet de la philosophie Gibson : durabilité, simplicité élégante et pureté sonore.

Face à Fender et Ampeg, Gibson se distingue par un son chaleureux, rond et subtil, idéal pour les guitaristes de blues, jazz et country recherchant un timbre expressif. Entièrement révisé par un professionnel, ce Gibson BR-6 de 1953fonctionne parfaitement et délivre une sonorité vintage d’une chaleur exceptionnelle : un son riche, doux mais punchy, à la réponse organique et dynamique, typique des amplis à lampes d’époque. Un véritable joyau pour les musiciens passionnés et les collectionneurs exigeants, témoin du son Gibson originel et de la pure tradition américaine.

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À la fin du 19ème siècle, l’Amérique découvre le banjo comme instrument de salon, et la société S.S. Stewart, fondée à Philadelphie par Samuel Swaim Stewart (1855-1898), joue un rôle décisif dans cette transformation. Passionné de musique et de lutherie, Stewart fonde son atelier vers 1878 et élève le banjo au rang d’instrument noble grâce à une fabrication artisanale haut de gamme et à une pédagogie classique promue dans son Banjo and Guitar Journal dès 1882. Inspiré par des virtuoses comme Alfred A. Farland et George W. Gregory, il valorise la technique finger-style, prouvant que le banjo peut rivaliser avec le violon ou la guitare.

Vers 1896, Stewart lance le modèle “20th Century”, symbole d’innovation et de modernité, annonçant l’entrée dans le 20ème siècle. Fabriqué autour de 1898-1900, ce banjo de concert combine bois et métal (souvent en german silver) pour une projection sonore riche et équilibrée. Produit à une époque où la marque atteint son apogée, ce modèle reflète le savoir-faire exceptionnel et la vision artistique de Stewart : allier tradition et progrès pour offrir un instrument expressif et raffiné.

Ce banjo S.S. Stewart “20th Century” demeure aujourd’hui un banjo vintage rare et historique, témoin de la naissance du banjo moderne américain, prisé des collectionneurs et musiciens passionnés.

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Cette Fender Jazz Bass de 1976 s’inscrit dans une période charnière de l’histoire de la musique, où l’évolution des instruments reflétait les mutations stylistiques et technologiques des années 70.

Introduite en 1960 sous le nom de “Deluxe Model”, la Jazz Bass a été pensée comme une version plus sophistiquée de la Precision Bass, offrant une tonalité brillante, une ergonomie améliorée et un corps à taille décalée inspiré de la Jazzmaster. Rebaptisée rapidement “Jazz Bass”, elle a conquis bien au-delà du jazz, s’imposant dans le funk, le rock et le fusion.

La version 1976 se distingue par sa finition naturelle qui sublime le bois de frêne, conférant à l’instrument une esthétique épurée et authentique. Véritable icône du son Fender, la Jazz Bass a été adoptée par des légendes telles que Jaco Pastorius, Larry Graham, Geddy Lee, John Paul Jones, Marcus Miller, Bootsy Collins ou Flea, tous séduits par sa polyvalence, sa précision et son timbre expressif.

Alliant esthétique vintage, confort de jeu et sonorité légendaire, cette Fender Jazz Bass 1976 demeure une référence incontournable pour les bassistes exigeants, symbole intemporel du groove et de l’excellence Fender.

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